Subida al Monte Carmelo/ Ascent of Mount Carmelo

Subida al Monte Carmelo

(Acrílico sobre lienzo. 120 × 90 cm).

Subida al Monte Carmelo forma parte de una serie compuesta por once pinturas explorando el tránsito entre violencia, vacío y trascendencia.

La obra articula un recorrido simbólico que parte de un campo cromático denso y atmosférico —azules y veladuras que sugieren inestabilidad y tensión— para desplazarse hacia una estructura de repetición blanca que introduce ritmo, contención y silencio. Sobre este espacio emergen intervenciones matéricas en dorado que delimitan y fragmentan la superficie pictórica, funcionando como umbral entre lo visible y lo espiritual.

El planteamiento conceptual dialoga con la tradición mística de San Juan de la Cruz, particularmente con la idea de la negación como vía de acceso a lo absoluto. En esta propuesta, el blanco no se concibe como ausencia, sino como suspensión activa: un espacio de desposesión previo a cualquier revelación.

El dorado, lejos de operar como ornamento, actúa como elemento estructural y simbólico. Su presencia matéricamente pesada y descendente introduce una tensión entre caída y elevación, entre gravedad y aspiración espiritual.

La obra propone así una lectura contemporánea del vacío: no como carencia, sino como estado de posibilidad. Un territorio donde la materia se agota para abrir paso a una experiencia de silencio y concentración.

Ascent to Mount Carmelo

(Acrylic on canvas. 120 × 90 cm).

Ascent to Mount Carmelo is part of a series of eleven paintings exploring the transition between violence, emptiness, and transcendence.

The work articulates a symbolic journey that starts from a dense and atmospheric chromatic field—blues and glazes that suggest instability and tension—and moves towards a structure of white repetition that introduces rhythm, restraint, and silence. Golden material interventions emerge from this space, delimiting and fragmenting the pictorial surface, functioning as a threshold between the visible and the spiritual.

The conceptual approach dialogues with the mystical tradition of St. John of the Cross, particularly with the idea of negation as a way of accessing the absolute. In this proposal, white is not conceived as absence, but as active suspension: a space of dispossession prior to any revelation.

Gold, far from operating as ornamentation, acts as a structural and symbolic element. Its materially heavy and descending presence introduces a tension between falling and rising, between gravity and spiritual aspiration.

The work thus proposes a contemporary reading of emptiness: not as a lack, but as a state of possibility. A territory where matter is exhausted to make way for an experience of silence and concentration.

Lo Persistente es una pieza audiovisual compuesta por una sucesión de pinturas digitales que emergen, se superponen y desaparecen constantemente. Concebida para su proyección en gran formato, la obra transforma un sistema de cuatro pantallas en un espacio inmersivo donde la imagen deja de funcionar como un elemento estático y pasa a convertirse en un organismo en continua mutación. Más que construir una narrativa lineal, la pieza propone una experiencia perceptiva basada en el flujo, la transformación y la disolución de la forma.

La obra investiga la tensión entre lo transitorio y lo eterno a través de un lenguaje visual construido mediante capas digitales, texturas expansivas y una intensa carga cromática. Inspirándose en fenómenos lumínicos como el efecto Tyndall —la capacidad de la luz para revelar partículas invisibles suspendidas en el aire—, el proyecto busca otorgar presencia física a aquello que normalmente permanece fuera de la percepción. El vacío deja así de entenderse como ausencia para convertirse en un territorio activo, vibrante y cargado de energía latente.

Cada imagen contiene restos de la anterior. Las composiciones se fragmentan, colisionan y reaparecen como si conservaran una memoria interna imposible de borrar por completo. En este proceso, el error digital, la superposición y la pérdida de definición dejan de percibirse como fallos técnicos para integrarse en el propio lenguaje de la obra. El color actúa como una fuerza emocional autónoma que invade el espacio y altera la percepción del espectador, generando una experiencia visual cercana al trance contemplativo.

El sonido desempeña un papel fundamental dentro de la pieza. La combinación de atmósferas espaciales con cantos tibetanos crea una sensación suspendida entre lo ancestral y lo cósmico, reforzando la idea de una temporalidad expandida. Imagen y sonido funcionan como una única materia sensorial que envuelve al espectador y modifica su relación física con el espacio expositivo. La obra no busca únicamente ser observada, sino habitada durante su duración.

En el contexto de una cultura dominada por la velocidad de consumo visual y la desaparición constante de estímulos digitales, Lo Persistente propone una pausa. La pieza reivindica la contemplación como una forma de resistencia frente a la saturación contemporánea, recuperando la capacidad del arte para generar espacios de suspensión emocional y atención prolongada. La experiencia inmersiva amplifica esta intención, permitiendo que las imágenes adquieran una escala casi arquitectónica donde la pintura digital expande sus límites y dialoga directamente con el cuerpo del espectador.

Desde una perspectiva estética, la obra recupera elementos vinculados al expresionismo y los traslada al entorno digital mediante un lenguaje basado en la acumulación, la vibración cromática y la transformación continua de la imagen. Lo eterno no aparece aquí como algo inmóvil, sino como un flujo de cambio incesante donde incluso aquello destinado a desaparecer conserva una huella. La obra convierte así la desaparición en una forma de permanencia visual.